Une scène universelle capturée dans la savane

On connaît tous cette sensation. Un photographe a saisi l'image parfaite d'un lionceau étalé sur le sol, le ventre bien rond, terrassé par un repas trop copieux.

Johan J Botha se trouvait dans le parc transfrontalier du Kgalagadi, en Afrique du Sud, lorsqu'il a découvert une famille de lions en train de se régaler d'un gemsbok qu'ils venaient d'abattre.

Une chaleur accablante et un festin mémorable

« C'était en janvier, en plein été austral, et les températures atteignaient facilement 40 degrés Celsius ce jour-là », confie Botha. « Nous avons passé un long moment avec eux sous cette chaleur intense — et ce fut à la fois une expérience enrichissante et étonnamment amusante. »

Lorsque le photographe est arrivé sur place, la famille de lions avait déjà dévoré la majeure partie de l'antilope. Il a réussi à capturer le lion mâle levant la tête en plein repas, regardant droit dans l'objectif, avant de lui adresser un clin d'œil. « Peu après, il a commencé à se nettoyer le visage avec sa langue — quelque chose que je n'avais jamais photographié auparavant », précise-t-il.

Du jeu… vite abandonné

Après ce festin généreux, les lions se sont mis à se toiletter mutuellement. L'un des trois lionceaux a tenté d'aller jouer avec son père. Mais entre la chaleur suffocante et le ventre bien rempli, la séance de jeu n'a duré que quelques instants — le lionceau s'est rapidement allongé.

Trop chauds et trop repus, deux des lions se sont retrouvés sur le dos dans une posture amusante qui paraissait, selon Botha, « déconcertamment humaine ».

« Le lionceau a réussi à lancer un dernier regard paresseux dans ma direction avant de sombrer dans un profond sommeil », raconte-t-il.

Pourquoi les lions tombent-ils dans une sieste post-repas ?

Contrairement à de nombreux animaux sauvages qui broutent tout au long de la journée, les lions mènent une existence rythmée par l'abondance et la disette. Après une mise à mort, ils mangent à s'en faire éclater. Un lion mâle adulte peut ingérer jusqu'à 40 kilogrammes de nourriture en une seule séance — soit environ 20 % de son poids corporel, ce qui est proprement stupéfiant.

Puisque le lion peut ne pas réussir une nouvelle chasse pendant une semaine entière, il se gave autant que possible pour assurer ses réserves. Il s'agit d'un mécanisme de survie stratégique que l'espèce a développé au fil de l'évolution.

Tout comme chez les humains, après un repas pantagruélique, les lions ressentent une somnolence profonde et tout mouvement devient inconfortable. Comme ce lionceau nous le démontre à merveille, le mieux est encore de se laisser aller et de laisser la digestion faire son travail.

Crédits images : Photographies de Johan J Botha

Qu'est-ce que la couleur ?

Quand la lumière frappe une surface, certaines longueurs d'onde sont absorbées tandis que d'autres sont renvoyées vers nos yeux. Une surface noire absorbe la quasi-totalité des photons et n'en réfléchit qu'une infime partie. Une feuille de papier blanc fait exactement l'inverse. Une surface verte, elle, absorbe toutes les autres couleurs et ne renvoie que le vert — c'est précisément pourquoi les feuilles des arbres apparaissent vertes et absorbent les ultraviolets pour la photosynthèse. Ce principe s'applique à l'ensemble du spectre visible.

Pourquoi ne percevons-nous qu'une gamme limitée de couleurs ?

Pour la grande majorité d'entre nous, la lumière visible s'étend de 400 nanomètres (violet) à 700 nanomètres (rouge) — un fragment infime de l'ensemble du spectre électromagnétique. Toutes les teintes que nous distinguons se situent dans cet intervalle, chacune à une fréquence différente.

Cette plage est idéale pour notre survie. Des longueurs d'onde plus courtes, comme les micro-ondes ou les rayonnements gamma, nous cuiraient littéralement. Heureusement, l'atmosphère — et en particulier la couche d'ozone — filtre la majeure partie de ces rayonnements nocifs.

À l'opposé, détecter des longueurs d'onde plus longues exigerait des structures oculaires et des capteurs bien plus imposants. Pensez aux radiotélescopes géants, capables de capter des ondes allant de quelques millimètres à plus de dix mètres.

La couleur de la lumière influence l'ambiance d'une photo

Dans notre perception quotidienne, les rouges, oranges et jaunes sont considérés comme des couleurs chaudes, tandis que les bleus et verts évoquent la fraîcheur. En physique, c'est l'inverse. On l'observe très bien en chauffant une barre métallique dans un four : elle passe du rouge à l'orange, puis au jaune, avant d'atteindre un blanc bleuté. Si vous vous souvenez de vos cours de chimie, la flamme bleue d'un bec Bunsen est bien plus chaude que la flamme jaune.

Ce phénomène explique aussi pourquoi une voiture rouge exposée longtemps au soleil finit par se décolorer. Elle réfléchit le rouge — une lumière à faible énergie — mais absorbe les ultraviolets à haute énergie, lesquels dégradent progressivement les molécules de peinture.

En astronomie, la teinte des étoiles trahit leur température. Les géantes rouges comme Aldébaran ou Bételgeuse oscillent entre 3 000 et 4 000 Kelvin (K), soit moins que notre Soleil, dont la surface atteint 5 500 à 6 000 K. Les étoiles bleues de type B, comme Régulus ou Rigel, sont bien plus ardentes, entre 12 000 et 14 500 K.

La balance des blancs et la température de couleur en photographie

La photographie utilise l'échelle Kelvin pour régler la balance des blancs. Dans les logiciels de développement RAW, le curseur de température va du bleu (2 000 K) à gauche jusqu'au jaune (50 000 K) à droite. Cela peut sembler contre-intuitif, mais il s'agit en réalité de mesurer la correction nécessaire pour que les blancs apparaissent véritablement blancs.

Voici les températures de couleur les plus courantes :

• Ampoules tungstène / éclairage intérieur : ~3 000 K
• Éclairage fluorescent : ~4 000 K
• Lumière du jour (ensoleillé) : ~5 500–5 600 K
• Ciel nuageux : ~6 000 K
• Ombre : ~7 000 K

Lors de l'heure bleue — quand le soleil est sous l'horizon et que l'atmosphère filtre les longueurs d'onde rouges et orangées — une correction importante est souvent indispensable pour restituer des blancs naturels. Sur une photo d'aigle prise dans ces conditions, une correction de la température de couleur de 5 778 K à 14 701 K a été nécessaire pour que la neige paraisse réellement blanche. Dans d'autres situations, cette dominante bleue contribue à l'atmosphère de l'image et peut être conservée intentionnellement.

La couleur agit sur l'émotion de bien d'autres façons

Au cinéma, les teintes grises et désaturées réduisent la « chaleur » émotionnelle d'une scène. Des films comme Il faut sauver le soldat Ryan, The Hurt Locker ou La Taupe ont eu recours à cette technique avec une grande efficacité.

À l'inverse, des couleurs vives et hautement saturées évoquent la joie, l'énergie et la fantaisie. Les films de Wes Anderson, Scott Pilgrim contre le reste du monde, Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain ou Barbie en sont des exemples contemporains emblématiques.

Le Magicien d'Oz a d'ailleurs joué sur ces deux registres : les séquences en monochrome et celles en Technicolor trois bandes — le système le plus avancé des années 1930 — créent deux atmosphères radicalement opposées au sein du même film.

Dans les blockbusters modernes, le contraste sarcelle et orange est omniprésent. Les teintes orangées font ressortir les carnations, tandis que le bleu-vert évoque la froideur, la tension, le danger ou encore la technologie futuriste.

La couleur est une illusion

La couleur telle que nous la percevons n'existe pas dans le monde physique. C'est une interprétation que notre cerveau construit à partir des signaux transmis par le nerf optique depuis la rétine. Il s'agit d'une idée, d'une représentation mentale — rien de plus. Notre cerveau traduit les différentes longueurs d'onde en couleurs pour mieux appréhender son environnement. Le rouge tel que nous le connaissons n'existe pas en dehors de notre esprit.

Ce que les différentes couleurs signifient

Les significations attribuées aux couleurs et à leurs combinaisons sont profondément influencées par les cultures. Ce qui est universel dans une région du monde peut être radicalement différent ailleurs.

Le rouge

Le rouge évoque couramment l'amour, l'alerte ou le danger. Il transmet aussi l'énergie, la passion et l'excitation. En Chine, il symbolise la chance, la fête et la prospérité. En Afrique du Sud, en revanche, il peut être associé au deuil.

L'orange

L'orange est lié à l'enthousiasme, la créativité, la sociabilité et la chaleur humaine. Aux Pays-Bas, il incarne la fierté nationale. Dans le bouddhisme, il représente la dévotion spirituelle. Dans certaines cultures du Moyen-Orient, il peut être associé au deuil.

Le jaune

Le jaune évoque l'optimisme, la clarté, le bonheur et l'intellect. Dans les cultures occidentales, il peut aussi être associé à la lâcheté. Au Japon, il symbolise plutôt le courage. En Amérique latine, certaines traditions l'associent à la mort ou au deuil.

Le vert

Le vert représente l'harmonie, la croissance, la nature, le calme et le renouveau. En Irlande, il est étroitement lié à l'identité nationale. Dans l'islam, c'est une couleur sacrée. Toutefois, dans certaines cultures d'Amérique du Sud, il peut évoquer la maladie ou la mort.

Le bleu

Le bleu est psychologiquement associé à la confiance, la paix, la fiabilité et la stabilité. Dans certaines cultures occidentales, il symbolise la masculinité — les vêtements pour bébés garçons sont souvent bleus. Fait surprenant : jusqu'au début du XXe siècle, le rose était réservé aux garçons et le bleu aux filles. Ce n'est qu'à partir des années 1940 que les fabricants de vêtements ont imposé le bleu pour les garçons. En Grèce, le bleu est censé repousser le « mauvais œil », et dans certaines traditions orientales, il est lié à l'immortalité.

L'indigo

L'indigo évoque l'intuition, la sagesse intérieure, la réflexion profonde et la spiritualité. Dans certaines traditions ésotériques, il représente le « troisième œil ». Historiquement en Inde, cependant, il était associé au commerce colonial et à l'exploitation.

Le violet

Le violet ou la pourpre incarne le pouvoir, la sophistication, le mystère et le deuil. En mode, il symbolise l'élégance et l'autorité, mais il est aussi largement associé au deuil en Occident. En Chine et en Inde, il peut être perçu comme porteur de malchance.

Le blanc

Dans de nombreuses cultures occidentales, le blanc symbolise la pureté. Sa popularisation dans les mariages remonte au mariage de la reine Victoria avec le prince Albert — première noce royale photographiée en Grande-Bretagne. Auparavant, il n'était pas d'usage de le porter. Au Moyen-Orient, il représente souvent la pureté et la paix, mais en Chine, au Japon et en Inde, il est la couleur traditionnelle du deuil.

Le noir

Le noir est associé au pouvoir, à la sophistication, au mystère et au deuil en Occident. En Chine et en Inde, il peut être perçu comme un mauvais présage ou une source de malchance.

Le gris

Le gris est une couleur neutre aux significations assez universelles. Il évoque le compromis, la retenue, le calme, l'impartialité, le professionnalisme et la maturité. En excès, il peut sembler pesant ou démotivant, et être associé à la solitude ou aux émotions étouffées. Il est très présent dans le minimalisme, le luxe et la mode. Dans certaines traditions orientales, il symbolise la modestie, l'humilité et la sagesse, ainsi que l'équilibre entre la lumière et l'obscurité.

Le brun

Le brun est une couleur particulière : ce n'est pas une couleur spectrale, et il est impossible de la produire directement à partir du spectre lumineux. C'est une couleur perçue, issue du contexte, du contraste et de la luminosité, telle que le cerveau les interprète.

Sur le plan psychologique, il représente la stabilité, la fiabilité, le confort et le naturel. Il évoque l'authenticité et la sobriété. Il peut cependant paraître terne. Au Japon, le brun est associé à la modestie et à la simplicité du quotidien. Dans certaines cultures, il renvoie à l'humilité ou à l'absence de prétention.

Teinte, saturation et luminance (TSL)

Votre logiciel de développement RAW propose très probablement des réglages TSL. La teinte correspond à la position d'une couleur sur la roue chromatique. Le curseur permet de la déplacer vers les teintes voisines. Toutes les couleurs affichées à l'écran résultent de combinaisons variables de pixels rouges, verts et bleus à différents niveaux de luminosité.

En développement RAW, on peut ajuster la façon dont ces couleurs se combinent. Par exemple, les pixels rouges peuvent être mélangés au vert pour produire du jaune, ou au bleu pour obtenir du violet — c'est ce qu'on appelle l'ajustement de la teinte.

Le curseur de saturation modifie quant à lui l'éloignement de chaque pixel par rapport au gris neutre. Plus la couleur se rapproche du gris, plus elle perd en intensité.

La luminance désigne la clarté d'une couleur, c'est-à-dire sa proximité avec le blanc ou le noir.

Ces réglages demandent de la prudence. Pousser les curseurs trop loin génère des artefacts indésirables et des effets visuels peu naturels. Dans la nature, les couleurs pures et isolées sont rares — ajuster un paramètre sans tenir compte des autres peut rapidement produire des résultats disgracieux.

La couleur en photographie noir et blanc

En photographie monochrome, les teintes perdent l'essentiel de leur importance. C'est la variation des tons qui devient l'élément central de l'image.

Des baies rouges, par exemple, peuvent se fondre dans un feuillage vert en noir et blanc si leur luminosité est similaire. Les outils de développement RAW permettent toutefois d'agir sur les tons issus des couleurs d'origine : on peut éclaircir les rouges des baies tout en assombrissant les verts et les jaunes des feuilles, ou l'inverse. Là encore, ces ajustements méritent d'être effectués avec soin et discernement.

La précision des couleurs

De nombreux photographes cherchent à reproduire les couleurs telles qu'ils les ont perçues sur le terrain. Mais ce n'est pas une obligation — réchauffer les tons d'un paysage ou accentuer certaines teintes reste une démarche tout à fait légitime si c'est un choix artistique assumé.

Des outils existent néanmoins pour ceux qui privilégient la fidélité chromatique. Des colorimètres comme le Datacolor Spyder Checkr Photo permettent d'étalonner les couleurs avec précision. Associés à des écrans correctement calibrés, ils offrent la possibilité de reproduire les teintes de façon très fidèle, même sans avoir recours à un plugin logiciel dédié.

Les interactions entre les couleurs

Les couleurs n'agissent jamais de façon isolée — elles interagissent en permanence les unes avec les autres. Les couleurs complémentaires, situées de part et d'autre de la roue chromatique, créent un fort contraste visuel : le rouge contre le vert en est l'exemple le plus classique. Les couleurs analogues, proches les unes des autres sur la roue, produisent au contraire une harmonie apaisante et une cohérence visuelle naturelle.

En conclusion

Comprendre la couleur est fondamental pour progresser en photographie. La maîtrise de la lumière, de la température de couleur, des contrastes chromatiques et de leurs significations culturelles permet de construire des images bien plus intentionnelles et impactantes. Ce sujet est vaste et mérite d'être approfondi : la couleur possède bien d'autres dimensions fascinantes, du comportement des étoiles à la psychologie humaine, en passant par les subtilités de l'impression et les fondements des arts visuels.

Mark Hetherington sacré grand vainqueur

Le grand prix du Concours International de Photographie de Jardin de l'Année (IGPOTY) — édition 19 a été décerné à Mark Hetherington pour son image intitulée Grange Fell Last Light, qui lui a également valu la première place dans la catégorie Espaces Respirants. Prise à Borrowdale, dans le Lake District anglais, la photographie dévoile de la bruyère, des bouleaux argentés et la lumière chaude du soleil couchant depuis les hauteurs de Grange Fell.

Pour réaliser cette image, Hetherington a fusionné quatre expositions différentes afin de produire un rendu HDR saisissant. L'appareil utilisé était un Sony α7 IV associé à un objectif Sony FE 16–35mm f/2.8 GM II.

Tyrone McGlinchey FLS FRSA, directeur général et juge en chef de l'IGPOTY, a salué le travail du lauréat en ces termes : « La photographie primée offre un panorama paysager époustouflant, riche en végétation, en couches de couleurs et en textures sensorielles. Sa composition équilibrée nous plonge véritablement au cœur de la scène. Le recours à plusieurs expositions nous permet de contempler l'environnement dans toute sa splendeur. »

Des vainqueurs par catégorie qui reflètent la richesse du vivant

Les lauréats des différentes catégories témoignent de l'extraordinaire diversité des sujets célébrés par ce concours, qu'il s'agisse d'interprétations abstraites de paysages ou d'études macro minutieuses de plantes et de champignons.

Vues Abstraites : Ian Gilmour

Ian Gilmour a remporté la première place dans la catégorie Vues Abstraites avec Autumn Flurry, réalisée dans le West Yorkshire, au Royaume-Uni. L'image associe une photographie d'arbres reflétés dans le canal de Rochdale à une seconde prise de vue capturant des effets de bokeh issus de lumières réfléchies dans une fenêtre. Ces deux clichés ont été fusionnés en post-traitement pour évoquer l'atmosphère d'une journée d'automne venteuse. Gilmour a utilisé un Pentax K-5 équipé d'un objectif Venus Laowa 60mm f/2.8 2x ultra-macro.

Beaux Jardins : Stephen Studd

La première place de la catégorie Beaux Jardins est revenue à Stephen Studd pour Lower Pool, Exbury Gardens, photographié aux jardins d'Exbury. L'image saisit la lumière printanière filtrant à travers la canopée et illuminant les couleurs saisonnières du jardin dans toute leur splendeur.

Beauté des Plantes : Alison Tinson

Dans la catégorie Beauté des Plantes, Alison Tinson a décroché la première place avec Game, Set and Match, photographiée à Béziers, en France. Son image met en scène un dahlia capturé à l'aide d'un objectif Lensbaby Velvet 85mm, avec un éclairage soigneusement contrôlé à l'intérieur d'un dispositif en boîte noire sur mesure.

Plantes et Planète PMC : Stephen Studd

Stephen Studd a également remporté une seconde victoire en catégorie, s'imposant dans la section PMC Plantes et Planète pour Mangrove Restoration, photographiée à Kep, au Cambodge. L'image met en lumière des projets de restauration de mangroves côtières qui soutiennent les pêcheries locales, protègent les communautés riveraines et contribuent à stocker d'importantes quantités de carbone.

Arbres, Bois et Forêts : Grant Bulloch

Grant Bulloch a remporté la première place dans la catégorie Arbres, Bois et Forêts avec Glen Affric, capturée en Écosse. La photographie révèle le contraste saisissant entre les pins verts et les bouleaux pourpres, observés depuis un point de vue surplombant la cime des arbres.

Paysages de Fleurs Sauvages : Bernadette Benz

La photographe Bernadette Benz a remporté la catégorie Paysages de Fleurs Sauvages avec Alpine Cotton Balls, prise à Märjelenalp, en Suisse. L'image met en valeur la linaigrette de Scheuchzer, une plante alpine protégée reconnaissable à ses caractéristiques épis sphériques blancs.

Faune Sauvage au Jardin : Perdita Petzl

Dans la catégorie Faune Sauvage au Jardin, Perdita Petzl a pris la première place avec Rare Beauty, un portrait d'un papillon festonné oriental photographié en Basse-Autriche. Cette espèce est considérée comme l'une des plus rares du pays et se rencontre fréquemment à proximité des vignobles.

Le Monde des Champignons : Tony North

Enfin, la catégorie Le Monde des Champignons a été remportée par Tony North pour Amethyst Deceivers, capturée dans les bois de Styal, dans le Cheshire, en Angleterre. La photographie représente deux champignons laccaires améthyste aux côtés d'une mouche, et a été réalisée grâce à une technique de focus stacking combinant plusieurs images superposées.

Un concours qui célèbre la diversité du monde naturel

Ensemble, les lauréats de l'édition 19 illustrent la richesse thématique qui caractérise le Concours International de Photographie de Jardin de l'Année. Des paysages de jardins aux projets de restauration écologique, en passant par la faune sauvage et la photographie macro, chaque image primée raconte une histoire unique sur notre relation au monde naturel.

Les finalistes et les troisièmes places de chaque catégorie sont également disponibles pour consultation sur le site officiel du concours IGPOTY.

Crédits photographiques : International Garden Photographer of the Year, photographes individuels tels que mentionnés.

Une trajectoire qui divise profondément

Shantanu Narayen, PDG de longue date d'Adobe, a annoncé cette semaine son départ après 18 ans à la tête de l'entreprise et près de 30 ans au sein du groupe. Pour les actionnaires, Narayen a longtemps figuré parmi les meilleurs dirigeants du secteur. Mais si l'on pose la question aux clients historiques d'Adobe — ces artistes qui furent autrefois au cœur même de l'identité de l'entreprise — la réponse est tout autre.

Les critiques à l'égard de Narayen sont nombreuses et bien documentées. Comme beaucoup de photographes et d'artistes, une grande partie de la communauté créative désapprouve les choix effectués sous sa direction. Si les logiciels Adobe ont indéniablement progressé sur le plan technique, un sentiment croissant d'être ignoré, voire méprisé, s'est installé parmi les utilisateurs tout au long de son mandat.

Une croissance spectaculaire sous la direction de Narayen

Si l'on considère que la mission première d'un PDG est de servir les actionnaires plutôt que les clients, alors l'héritage de Narayen est celui d'un succès retentissant. Pendant une grande partie de son mandat, le conseil d'administration d'Adobe a sans doute été en admiration devant la façon dont il a transformé l'entreprise en un mastodonte du logiciel par abonnement, tout en développant massivement son activité B2B. Narayen lui-même a pris soin de mentionner la croissance des revenus d'Adobe dans sa lettre d'adieu adressée aux employés. C'est effectivement un bilan impressionnant.

Sous son mandat, le cours de l'action Adobe est passé d'environ 40 dollars fin 2007 — lorsqu'il a pris les rênes — à un sommet historique de 688,37 dollars en 2021. Une progression extraordinaire. Le titre a certes reculé ces dernières années, et a encore chuté après l'annonce du départ de Narayen, mais Adobe est passé d'un acteur important du marché des logiciels à un véritable géant sous sa conduite.

Le problème de l'intelligence artificielle

Cela dit, l'ère de l'IA a été moins favorable à Adobe. L'entreprise a investi des ressources colossales dans cette technologie, notamment avec son propre modèle Firefly, mais elle a constamment été dépassée par ses concurrents, tant en qualité qu'en vitesse de développement.

Après avoir vanté pendant des années son approche éthique de l'IA et affirmé qu'Adobe Firefly était le modèle le plus sûr sur le plan commercial, l'entreprise a fini par ouvrir sa plateforme à des modèles tiers. Ce revirement a clairement sapé les promesses initiales, une fois qu'il est devenu évident que cette stratégie fermée ne serait pas la plus rentable.

Adobe a présenté son générateur d'images Firefly en mars 2023. À ce stade, le cours de l'action avait déjà chuté du pic de 688 dollars de novembre 2021 à moins de 400 dollars. Les premiers succès de Firefly et la croissance continue des revenus ont permis au titre de remonter au-delà de 600 dollars en 2024. Mais depuis février 2024, la tendance est presque exclusivement à la baisse. Le cours de l'action Adobe a atteint son niveau le plus bas depuis plus de cinq ans le mois dernier, à peine au-dessus de 244 dollars.

Bien qu'Adobe et Narayen présentent son départ comme une décision entièrement personnelle, on peut légitimement se demander si la chute du cours boursier a joué un rôle dans cette transition, ou du moins en a accéléré le calendrier.

Narayen restera membre du conseil d'administration et participera à la sélection de son successeur. Mais le moment choisi pour ce départ est pour le moins intrigant. Les investisseurs se montrent aussi sceptiques qu'ils ne l'ont jamais été face à la stratégie d'Adobe à l'ère de l'IA, et un bouleversement majeur au sommet pourrait faire plus de mal que de bien.

Après plus de 15 ans d'une confiance absolue en la capacité de Narayen à diriger Adobe et à en faire une véritable puissance logicielle, les investisseurs doutent désormais, tandis que les professionnels de la création se posent une tout autre question : pourquoi avoir attendu si longtemps ?

La rentabilité avant tout, au détriment de l'art

La stratégie et la vision d'Adobe ont depuis longtemps heurté ses abonnés — dont beaucoup n'ont jamais vraiment accepté le modèle par abonnement — et continue de le faire.

Il ne fait aucun doute qu'Adobe dispose de certains des meilleurs ingénieurs logiciels au monde. L'entreprise attire des talents exceptionnels, et chacun d'eux déborde de passion pour les produits Adobe et les artistes qu'ils servent. C'est indéniable.

Mais lorsque ces produits se cachent derrière des barrières tarifaires de plus en plus élevées, sont commercialisés davantage auprès des grandes entreprises, et se retrouvent saturés de fonctionnalités IA que la plupart des artistes n'ont pas réclamées, cette passion des développeurs devient de moins en moins perceptible dans le produit final.

Premiere Pro perd du terrain face à DaVinci Resolve. Photoshop doit désormais faire face à un nouveau concurrent gratuit. Apple lui-même s'est lancé dans le domaine des suites créatives. Sans compter Canva, qui a largement pris le dessus sur Adobe Express dans le monde de l'entreprise. Adobe fait face à plus de menaces simultanées qu'il ne l'a fait depuis très longtemps.

Une leçon à tirer des difficultés relatives d'Adobe à l'ère de l'IA serait peut-être que l'entreprise court après une chimère. Réinvestir dans ses produits phares et dans son audience historique représenterait une voie plus durable et stable, même si cela implique un plafond de croissance bien plus bas.

Mais les actionnaires ne veulent pas de stratégies prudentes. Ils veulent de l'IA, encore et toujours, et Adobe est bien décidé à leur en livrer.

« Notre mission — Donner à tous le pouvoir de créer — représente une opportunité encore plus vaste à l'ère de l'IA. En délivrant une feuille de route innovante alignée sur notre stratégie d'audience, nous positionnons Adobe pour mener ce prochain chapitre », a écrit Narayen. « La prochaine ère de la créativité s'écrit en ce moment même — façonnée par l'IA, par de nouveaux flux de travail et par des formes d'expression entièrement nouvelles. Adobe n'a jamais attendu que l'avenir arrive. Nous l'avons anticipé. Nous l'avons construit. Et nous l'avons dirigé. »

Frank Calderoni, administrateur indépendant principal d'Adobe et président du comité spécial chargé de sélectionner le prochain PDG, a déclaré : « Au nom du conseil d'administration, je tiens à saluer les contributions de Shantanu en tant que PDG et architecte de la transformation d'Adobe au cours des 18 dernières années, ainsi que son travail pour positionner Adobe en vue du succès à l'ère de l'IA. »

C'est peut-être ce que souhaitent les actionnaires, et peut-être même une partie des clients actuels d'Adobe. Mais ce n'est manifestement pas ce qui importe aux clients de la première heure. Il existe certes une vraie place pour l'IA au service des artistes. Seulement, la grande vision d'Adobe semble de moins en moins orientée vers l'autonomisation des créateurs, et de plus en plus vers la capacité à offrir aux grandes entreprises les moyens de se passer des artistes tout bonnement.

Ignorer les clients qui ont bâti Adobe

Les actionnaires d'Adobe et les artistes indépendants s'accordent sur peu de choses en matière de logiciels créatifs. Pourtant, ils partagent un même constat : les perspectives d'Adobe ne sont plus ce qu'elles étaient il y a encore un an. D'un côté, les créateurs voient l'entreprise se désintéresser des artistes individuels au profit d'une monétisation de l'IA qui remplace des professionnels réels et talentueux. De l'autre, les investisseurs manquent de confiance parce qu'ils estiment qu'Adobe prend trop de temps à construire cette même technologie.

Sur la question de l'héritage de Narayen, le fossé est tout aussi profond. Les uns ont vu les chiffres gonfler d'année en année. Les autres — photographes et artistes — ont eu l'impression de se faire distancer, puis oublier.

Du point de vue des affaires, la trajectoire est compréhensible. Les grands nombres sont devenus encore plus grands. Mais cela n'oblige personne à s'en réjouir, ni à dresser des louanges.

L'ampleur de ce qu'il a accompli force le respect. Sa capacité à faire croître Adobe pour qu'elle puisse recruter des talents et améliorer ses logiciels est réelle. Mais en définitive, l'héritage de Narayen est aussi celui d'une entreprise qui a traité les photographes comme une variable d'ajustement — avant de conclure, après s'être nourrie de leur passion et de leur amour de l'art, qu'ils n'étaient plus vraiment indispensables.

Une vie hors du commun célébrée sur grand écran

Le photographe Roy Blakey (1930-2024) a mené une existence absolument singulière, sans équivalent dans le monde artistique. Patineur professionnel devenu photographe pionnier après avoir parcouru le globe, sa vie et son héritage font désormais l'objet d'un documentaire intitulé Uncle Roy. Ce film est signé par sa nièce et protégée, la réalisatrice, cinématographe et photographe primée Keri Pickett.

Une rencontre tardive, une amitié profonde

Pickett n'a véritablement découvert son oncle Roy qu'à l'âge adulte, lorsqu'elle s'est installée à New York pour poursuivre sa passion de la photographie professionnelle. À cette époque, Blakey était déjà un photographe accompli dans la ville, particulièrement reconnu pour ses portraits masculins nus et son travail commercial. Les deux artistes ont rapidement tissé des liens extraordinairement forts.

Des années plus tard, alors que Blakey luttait contre la démence lors de ses dernières années de vie, Pickett est devenue son aidante principale. C'est elle qui a finalement pris en charge la mission de documenter la vie et l'héritage de son oncle avant sa disparition.

Du patin à glace à la chambre noire

Uncle Roy retrace le parcours de Blakey dans toute sa richesse : le patinage professionnel, les voyages aux quatre coins du monde, la collection effrénée d'objets, et enfin la photographie. L'art, le théâtre et la performance ont toujours été au cœur de sa vie, que ce soit devant un public international sur une patinoire ou derrière l'objectif d'un appareil photo.

Son héritage est doublement remarquable. D'un côté, il est considéré comme l'un des précurseurs de la photographie gay. De l'autre, il possédait la plus grande archive mondiale de souvenirs liés au patinage artistique sur glace, soit quelque 44 000 pièces.

Un rêve né dans l'Oklahoma des années 1940

Tout a commencé dans la petite ville d'Enid, en Oklahoma. Dans les années 1940, le jeune Roy a découvert le patinage en regardant un film mettant en vedette Sonja Henie, triple championne olympique. Il était encore enfant, mais sa décision était prise : il deviendrait patineur à son tour.

Le problème ? Il n'y avait pas de glace à Enid. Blakey a donc commencé par les patins à roulettes, puis prenait chaque semaine un bus jusqu'à Wichita, au Kansas, pour prendre des cours sur la vraie glace. Malgré l'opposition de ses parents, il leur a annoncé par lettre qu'il renonçait aux études pour vivre son rêve.

« Je leur ai expliqué mes rêves dans ma lettre. C'était en 1948. Quand je l'ai relue dans les années 80, c'était stupéfiant — tout ce que j'avais dit vouloir faire s'était réalisé. Je suis entré dans le show-business, j'ai voyagé à travers le monde, j'ai tout fait, sans réaliser que j'avais fixé ces objectifs si tôt », confiait Blakey en 2005.

La guerre, puis la gloire

Le destin a brièvement retardé ses ambitions : Blakey a été mobilisé dans l'armée américaine peu après l'envoi de cette lettre fameuse. Une fois ses obligations militaires remplies, il a enfin pu réaliser son rêve de patineur.

C'est lors de ses tournées avec une troupe de patinage qu'il a découvert la photographie. En Allemagne, il a commencé à photographier ses collègues. Au Japon, il a acquis un Nikon, qui est devenu son appareil de prédilection pour toute la suite de sa carrière.

New York et la naissance d'un photographe

Lassé par un métier de patineur peu lucratif, Blakey a décidé de se consacrer entièrement à la photographie. Il visait Hollywood, mais c'est finalement New York City qui l'a accueilli, où il a ouvert son propre studio. La suite appartient à l'histoire de la photographie américaine.

« Je ne connaissais pas grand-chose à la technique photographique. À vrai dire, c'est encore le cas aujourd'hui. Mon père aurait su exactement comment fonctionnait un appareil, mais pas moi. En revanche, je sais prendre une photo, et lui ne le savait pas. C'est instinctif. C'est ce que j'ai fait depuis lors, prendre des photos », disait-il il y a plus de vingt ans.

Une dernière page écrite ensemble

Lorsqu'une urgence médicale a contraint Pickett à s'installer à Minneapolis, son oncle Roy l'a suivie. Ils ont alors ouvert un studio de photographie ensemble, partageant leur passion jusqu'aux derniers chapitres de la vie de Blakey.

Pour Pickett, Uncle Roy documente leurs « belles dernières années » partagées. Le film est un hommage à son oncle bien-aimé, mais aussi à tous ceux qui osent poursuivre leurs rêves, aussi ambitieux soient-ils.

Une première mondiale à Thessalonique

Uncle Roy a été présenté en avant-première au Festival international du documentaire de Thessalonique, en Grèce. Un lancement à la hauteur d'une vie consacrée à l'art, au voyage et à la beauté sous toutes ses formes.

Un intérêt réel, mais des contraintes économiques bien concrètes

Avec les montures Canon RF et Nikon Z plein format restant fermées aux fabricants tiers, on pourrait naturellement s'attendre à ce que Sigma cherche à élargir sa compatibilité vers d'autres systèmes. La monture Fujifilm GFX, dédiée au moyen format, semblerait être une candidate évidente.

Pourtant, malgré un intérêt personnel affiché, le PDG de Sigma, Kazuto Yamaki, se heurte à une réalité commerciale difficile à contourner : le coût de développement dépasse largement le retour sur investissement envisageable.

Yamaki exprime son intérêt depuis plusieurs années

Dès 2024, Yamaki avait déjà évoqué publiquement son attrait pour les systèmes à grands capteurs. « Je suis personnellement très intéressé par le soutien au moyen format. C'est un petit marché, mais j'y porte un certain intérêt », avait-il déclaré à l'époque.

À ce moment-là, le GFX 100 II venait tout juste de sortir et le GFX 100S II n'avait pas encore été annoncé. Ces deux boîtiers constituent aujourd'hui les piliers du segment moyen format numérique chez Fujifilm.

Le GFX 100 II et le GFX 100S II : deux références solides

Le GFX 100 II a été salué comme « le summum du moyen format actuellement disponible sur le marché », représentant une évolution majeure par rapport aux générations précédentes. De son côté, le GFX 100S II a apporté une mise au point automatique améliorée, une stabilisation optique renforcée et des écrans perfectionnés à ce modèle historiquement plus accessible.

Ce dernier a d'ailleurs su s'imposer face au GFX 100 II, pourtant plus onéreux, en offrant un rapport qualité-prix particulièrement convaincant. Si convaincant, d'ailleurs, que les revendeurs peinent régulièrement à maintenir leurs stocks.

Des ventes encourageantes, mais insuffisantes pour Sigma

Malgré ce dynamisme commercial — remarquable à l'échelle d'un segment aussi spécialisé — la base d'utilisateurs reste trop limitée pour justifier un investissement de la part d'un fabricant tiers comme Sigma.

« Je reste personnellement intéressé par le soutien aux systèmes à grands capteurs, mais nous avons énormément de projets dans notre liste de souhaits et nous devons établir des priorités », confie Yamaki.

Il poursuit : « Je sais que de nombreux passionnés utilisent les appareils Fujifilm GFX, mais malheureusement, le nombre de clients n'est pas aussi important que celui des utilisateurs de capteurs plein format. En tant qu'entreprise, pour assurer notre survie — surtout dans ce type de contexte — nous devons prioriser les projets et les produits qui répondent à une demande plus large. »

Une porte entrouverte pour l'avenir

Yamaki n'a cependant pas totalement fermé la porte à cette éventualité. Loin s'en faut. « Bien sûr, un projet d'objectif pour ce type de système figure au moins dans ma liste de souhaits personnelle », précise-t-il.

En résumé, la volonté est là, mais les priorités commerciales prennent le dessus. Les amateurs de moyen format devront sans doute patienter encore un moment avant de voir des objectifs Sigma compatibles avec la monture GFX apparaître sur le marché.

Adobe solde son litige avec le DOJ pour 150 millions de dollars

En juin 2024, le Département de Justice américain (DOJ) avait engagé des poursuites contre Adobe, accusant l'entreprise d'avoir dissimulé des frais et rendu volontairement difficile l'annulation des abonnements de ses clients. Ce bras de fer juridique vient de prendre fin : Adobe et le DOJ ont officialisé un accord amiable, aux termes duquel la société versera 75 millions de dollars au DOJ et offrira pour 75 millions de dollars de services gratuits aux clients concernés. Adobe, de son côté, nie toute faute.

Ce que reprochait le gouvernement américain à Adobe

Dans sa plainte déposée en 2024, le DOJ formulait des accusations particulièrement sévères à l'encontre du géant du logiciel. Selon le gouvernement, Adobe inscrivait systématiquement ses clients dans son formule d'abonnement la plus lucrative sans leur communiquer clairement les conditions essentielles.

Le reproche central portait sur le plan « Annuel, payé mensuellement » : les clients ne comprenaient pas qu'ils s'engageaient sur une année complète, ni qu'une résiliation anticipée pouvait leur coûter plusieurs centaines de dollars. Ces frais n'étaient révélés qu'au moment où l'abonné tentait de quitter le service — une pratique que le DOJ qualifiait de mécanisme de rétention dissimulé, piégeant les consommateurs dans des abonnements dont ils ne voulaient plus.

Les termes précis du règlement

Dans le cadre de l'affaire États-Unis d'Amérique contre Adobe, le gouvernement réclamait initialement des injonctions, des pénalités civiles et des dédommagements financiers. Le règlement conclu couvre partiellement ces exigences.

• 75 millions de dollars versés directement au Département de Justice
• 75 millions de dollars de services gratuits accordés aux clients éligibles
• Adobe s'engage à contacter proactivement les clients concernés une fois les documents judiciaires acceptés par le tribunal

Pour replacer cette somme dans son contexte : 150 millions de dollars représentent environ 0,6 % du chiffre d'affaires d'Adobe en 2025. Une proportion comparable, toutes proportions gardées, à une simple amende de stationnement pour un Américain moyen.

La réaction officielle d'Adobe : ni aveux, ni regrets

Dans un communiqué publié le jour de l'accord, Adobe a tenu à marquer sa position avec fermeté. « Nous avons finalisé un accord de règlement avec le Département de Justice qui met fin au litige engagé en juin 2024 concernant nos pratiques de divulgation et d'annulation d'abonnements. Bien que nous contestions les affirmations du gouvernement et nions tout acte répréhensible, nous nous réjouissons de clore ce dossier », a déclaré l'entreprise.

Adobe a également affirmé que ses processus d'inscription et d'annulation ont été rendus « plus fluides et transparents » ces dernières années — tout en niant, dans le même souffle, que les anciennes pratiques aient posé le moindre problème. Une contradiction qui n'a pas échappé aux observateurs.

Une position difficile à tenir

L'entreprise affirme simultanément n'avoir commis aucune faute et avoir amélioré ses processus pour les rendre plus clairs et accessibles. Autrement dit : moins de frais cachés, une résiliation simplifiée. Il est difficile de ne pas y voir une forme implicite de reconnaissance des lacunes passées, même si Adobe s'y refuse officiellement.

Ce que cela signifie pour les abonnés Adobe

Si vous avez souscrit un abonnement Adobe et avez été confronté à des difficultés lors d'une tentative d'annulation, ou si vous avez payé des frais de résiliation anticipée sans en avoir été clairement informé, vous pourriez faire partie des clients éligibles aux compensations. Adobe a promis de contacter directement les personnes concernées une fois les formalités judiciaires finalisées.

Cette affaire rappelle, une fois de plus, l'importance de lire attentivement les conditions d'un abonnement avant de s'engager — en particulier lorsque la facturation est mensuelle mais l'engagement annuel.

Un niveau de performance qui redéfinit les standards

Depuis qu'Apple a lancé ses propres puces, chaque test de ses ordinateurs semble déboucher sur le même constat enthousiaste : c'est encore meilleur qu'avant, c'est encore le meilleur. À force de répéter ces éloges, on finit par se demander s'ils ont encore un sens.

Pourtant, me voilà à nouveau dans la même position — et cette fois, l'affirmation est encore plus audacieuse. Voici le meilleur ordinateur de montage vidéo disponible sur le marché. Pas le meilleur laptop. L'ordinateur tout court. La nuance est capitale.

Configuration testée : une machine de haute voltige

Plusieurs versions du MacBook Pro M5 Max coexistent, il est donc important de préciser ce qui a été évalué ici. L'unité de test est le modèle 16 pouces quasi haut de gamme : puce M5 Max avec CPU 18 cœurs et GPU 40 cœurs, 128 Go de mémoire unifiée, SSD de 4 To, et écran Nano-texture. La facture totale s'élève à 6 149 dollars. Il existe également une version 8 To, qui ajoute 1 200 dollars supplémentaires.

Soyons clairs : cet ordinateur est puissant, pas abordable.

MacBook Pro avec M5 Max : Design et qualité de fabrication

Ce chapitre sera bref, car Apple n'a pas fondamentalement modifié le design de ses machines depuis plusieurs années. Le premier MacBook Pro Apple Silicon ne ressemble pas si différemment au M5 Max posé sur le bureau aujourd'hui. On retrouve le MagSafe, les ports Thunderbolt/USB-C, la prise casque, le grand trackpad, l'excellent clavier et l'écran soigné.

On notera positivement la présence de quatre ports Thunderbolt 5, ce qui permet aux photographes et monteurs d'accéder à du stockage externe rapide sans nécessairement opter pour le SSD interne de plus grande capacité. Si vous disposez d'un bon SSD externe, le modèle 2 To d'Apple peut suffire.

L'écran Nano-texture : une liberté sans précédent

L'unité testée est équipée de l'écran Nano-texture d'Apple, particulièrement redoutable pour éliminer les reflets. Certes, le contraste peut légèrement en souffrir dans certaines situations, mais après avoir utilisé cette technologie, il devient difficile de revenir à un écran standard.

Travailler efficacement dans n'importe quel environnement, quelle que soit la luminosité ambiante, est une liberté considérable — surtout sur un appareil portable.

Un changement discret sur le clavier

Apple a remplacé les mots « caps lock », « shift », « tab », « delete » et « return » par de petites icônes. Ce changement n'a aucun impact significatif sur l'utilisation quotidienne, mais le clavier y gagne en sobriété visuelle.

Le poids : un compromis assumé

Après de nombreux voyages, ce point mérite d'être abordé franchement. Le MacBook Pro pèse 4 livres et 12 onces, soit environ 2 155 grammes — autant que certains trépied photo. On le sent dans le sac à dos. C'est le prix de la puissance et du format, un compromis acceptable mais dont on aimerait s'affranchir.

L'autonomie, les performances du clavier et du trackpad restent inchangées par rapport au MacBook Pro M5 de l'année dernière. Les attentes en termes d'usage réel ne devraient donc pas différer.

MacBook Pro avec M5 Max : Performances

Le SSD : des vitesses hors normes

Apple avait annoncé des vitesses de lecture/écriture jusqu'à deux fois plus rapides que sur la génération précédente, atteignant 14,5 Go/s. Une promesse ambitieuse, surtout quand on sait que les performances réelles dépassent rarement les chiffres théoriques des laboratoires.

Pour référence, voici ce qu'affichait le MacBook Pro M5 (SSD 2 To) de l'an passé : écriture à 6 471,0 Mo/s et lecture à 5 820,6 Mo/s.

Le MacBook Pro M5 Max (SSD 4 To), quant à lui, atteint 12 824,4 Mo/s en écriture et 12 695,0 Mo/s en lecture. Ces chiffres sont si élevés que le logiciel de test Blackmagic ne semblait pas avoir anticipé qu'un disque pourrait un jour atteindre six chiffres — les valeurs débordent littéralement du cadre d'affichage.

Apple tire vraisemblablement parti d'une combinaison optimisée de matériel et de logiciel, potentiellement via PCIe 5.0, même si cette spécification n'est pas officiellement confirmée. Ce qui est certain : la promesse d'une vitesse doublée est tenue.

L'écran : enfin des mesures précises

C'est la première fois que cet écran mini LED a pu être mesuré avec précision, après des problèmes techniques désormais résolus. Ce panneau intègre plus de 2 500 zones de gradation locale et une luminosité de pointe de 1 600 nits en HDR.

Les résultats sont excellents : plus de 100 % de couverture sRGB, 95,4 % DCI-P3, 83,8 % Adobe RGB, avec un Delta E moyen de 0,34 — un chiffre spectaculaire (qui n'a jamais dépassé 1,08 lors des tests ; tout ce qui est inférieur à 2 est considéré comme excellent).

Un point d'attention pour les professionnels de la couleur : au-delà de 90 % de luminosité, les verts deviennent nettement plus intenses que les rouges et les bleus. Pour un travail colorimétrique rigoureux, il est conseillé de rester en dessous de 90 % de luminosité, où la cohérence des couleurs est remarquable.

La dalle est par ailleurs très uniforme sur toute sa surface. Les légères variations de luminosité et de Delta E relevées dans quelques zones ne sont pas statistiquement significatives et n'affectent pas l'expérience visuelle ou de retouche.

L'écran est de technologie mini LED, ce qui signifie que les noirs sont très bons sans être parfaits — l'OLED reste supérieur à cet égard, notamment pour le contrôle des halos autour des objets lumineux sur fond sombre. En contrepartie, le mini LED offre une durée de vie plus longue et une luminosité maximale plus élevée. Aucun phénomène de bloom n'a été constaté, et le rendu des mouvements est irréprochable. Il s'agit globalement d'un écran exceptionnel.

Benchmark Adobe Lightroom Classic

Les tests Lightroom utilisent désormais le benchmark Puget Systems (version 1.00, Lightroom Classic 15.2). Ce test étendu importe 250 fichiers RAW issus de quatre appareils plein format : Canon EOS R5 Mark II, Panasonic Lumix S1R II, Sony a1 II et Nikon Z8. Il génère ensuite 100 aperçus intelligents, exporte 100 JPEG et 100 DNG, puis évalue également les fonctions IA : Select Sky, Select Subject, Reflection Removal, Denoise, Enhanced Details et Super Resolution.

La mauvaise nouvelle en premier : le M5 Max est encore dépassé par les Mac Studio M2 Ultra et M3 Ultra sur Lightroom, probablement parce que ce logiciel repose fortement sur le CPU et reste moins bien optimisé que d'autres applications créatives. Il demeure néanmoins le meilleur laptop jamais testé dans ce benchmark, et n'est pas très loin derrière le M2 Ultra.

La comparaison la plus pertinente reste celle avec le M1 Max : le M5 Max est plus de deux fois plus rapide dans Lightroom Classic. Pour quelqu'un qui envisage de passer de la génération M1 ou antérieure, le gain sera considérable.

Benchmark Adobe Photoshop

C'est ici que la puce M5 Max révèle toute l'étendue de sa puissance. Elle surpasse non seulement les M5, M4 Pro et M4 Max, mais écrase également le M2 Ultra et le M3 Ultra. Ses scores dans les catégories Filtres et Général sont les plus élevés jamais enregistrés — rappelons que la catégorie Général est particulièrement dépendante du CPU.

En combinant cette excellence CPU à des performances GPU remarquables, le M5 Max se positionne sans conteste comme le meilleur ordinateur jamais testé pour Photoshop — pas seulement le meilleur laptop.

Benchmark Adobe Premiere Pro

La tendance observée ces dernières années se confirme avec éclat : les gains les plus spectaculaires se manifestent dans le montage vidéo. Le M5 Max dépasse le Mac Studio M3 Ultra à double puce de près de 1 000 points, porté notamment par un score RAW extraordinaire.

Le benchmark Pugetbench teste le traitement de vidéo 4K Canon Cinema RAW Light ST, 4K ArriRAW, 4K Nikon N-RAW, 5K Sony X-OCN, 4K RED, 4K RED R3D 4x Multistream et 8K RED — tous très gourmands en GPU. Le M5 Max obtient presque le double du meilleur score jamais enregistré pour le traitement vidéo RAW. Le score GPU Effects est également stratosphérique.

Nuance importante : pour les flux de travail Intraframe, les M4 Max, M3 Ultra et M2 Ultra obtiennent encore de meilleurs résultats.

Benchmark DaVinci Resolve

DaVinci Resolve est un éditeur vidéo remarquablement optimisé, et constitue personnellement l'un des benchmarks les plus révélateurs pour évaluer les capacités d'un ordinateur en montage haut de gamme. Le M5 Max y performe de façon exceptionnelle.

Ce n'est pas la machine la plus dominante jamais testée sur Resolve, mais elle s'en approche. Ses scores Intraframe, Fusion et IA surpassent le M2 Ultra et frôlent la puissance du M3 Ultra à double puce.

Bilan des performances du MacBook Pro M5 Max

L'an dernier, le M4 Max et le M3 Ultra s'imposaient comme les meilleures options d'Apple pour les workflows vidéo intensifs. Ce paysage a changé. Le M5 Max bat le M3 Ultra dans Premiere Pro, même si ce dernier conserve l'avantage sur Resolve.

Plus globalement, le M5 Max s'impose comme le meilleur ordinateur créatif polyvalent du marché, grâce à ses scores Photoshop excellents et ses très bons résultats sur Lightroom. Opter pour un MacBook Pro M5 Max entièrement configuré plutôt qu'un M3 Ultra haut de gamme permet d'économiser significativement, sans sacrifier grand-chose en performance — et en gagnant sur certains aspects. Avec l'arrivée probable du M5 Ultra dans un futur proche, il serait difficile de recommander l'achat d'un M3 Ultra aujourd'hui.

Le M5 Max est non seulement plus rentable actuellement, mais devrait également mieux conserver sa valeur dans le temps. C'est le meilleur ordinateur créatif du marché, en termes de rapport performance/prix.

Pour les acheteurs potentiels venant de générations plus anciennes — M1, M2, voire M3 — les gains seront immédiatement perceptibles. Sur la base de cette comparaison générationnelle, la puce M5 Max est la plus impressionnante jamais produite par Apple.

Un écosystème fermé qui produit des résultats ouverts

Le titre de cet article affirmait que ce laptop surpasse votre ordinateur de bureau. Nuançons légèrement : si vous possédez un Mac Studio M3 Ultra en configuration maximale, l'affirmation est moins absolue. Mais la grande majorité des utilisateurs travaillent sur des machines plus anciennes. Pour la plupart d'entre eux, ce MacBook Pro est largement supérieur à leur configuration fixe.

Apple est souvent critiqué pour son approche de « jardin clos », où matériel et logiciel sont étroitement contrôlés. Les enthousiastes PC, qui apprécient la liberté de personnalisation, peuvent voir cela d'un mauvais œil. Mais cette approche génère des bénéfices tangibles.

La conception des puces de la série M a produit des performances exceptionnelles pour les applications créatives. Par ailleurs, la gamme MacBook Pro bénéficie d'une efficacité énergétique remarquable, permettant de maintenir ce niveau de performance sur batterie. Apple semble avoir compris que la meilleure performance ne devrait pas dépendre d'une connexion au secteur — un défi que les laptops PC n'ont pas encore relevé. Ceux équipés de GPU discrets, les seuls qui méritent l'attention des créatifs professionnels, consomment beaucoup trop d'énergie pour les batteries actuelles.

L'autre problème avec les PC concerne l'optimisation. Les tentatives répétées de tester des laptops PC sous Windows se sont heurtées à des problèmes constants et différents selon chaque marque, rendant impossible l'obtention de résultats de benchmark cohérents. L'écosystème Apple, lui, affiche une constance exemplaire qui permet de comparer les performances dans le temps avec précision.

Quelles alternatives envisager ?

Le MacBook Pro M5 de base reste une excellente machine, mais chez Apple en achat direct, il n'est disponible qu'en 14 pouces. Les nouveaux modèles 16 pouces sont réservés aux puces M5 Pro et M5 Max — deux options solides et valables.

Il est encore possible de trouver des modèles M4 Pro en 14 ou 16 pouces chez des revendeurs, à des prix nettement plus abordables que le M5 Max. Pour ceux qui n'ont pas besoin de toute la puissance disponible, ce sont d'excellentes alternatives.

Du côté PC, l'Asus ProArt P16 propose un format et une esthétique proches du MacBook Pro. Son modèle le plus performant est cependant affiché autour de 4 000 dollars.

Faut-il l'acheter ?

Oui, sans hésitation. C'est un choix particulièrement judicieux pour quiconque envisage de passer des générations M1, M2 ou M3 — mais même les puces M4 et le M5 de base de l'an dernier sont nettement distancés par le M5 Max. Il s'agit d'une machine de retouche créative d'exception, et de l'un des ordinateurs les plus impressionnants jamais évalués.

Des économies importantes sur tout l'écosystème Sony

Préparer un projet photo ou vidéo demande du bon matériel — et cette semaine, les promotions Sony proposent des réductions significatives sur une large gamme d'équipements. Au programme : appareils photo sans miroir, caméras cinéma, équipements audio, accessoires d'éclairage et cartes mémoire haute capacité.

Les remises s'étendent des petites réductions aux baisses de prix spectaculaires sur du matériel professionnel. Que vous souhaitiez mettre à niveau votre boîtier principal ou enrichir votre kit de production, ces offres couvrent un éventail impressionnant d'outils créatifs.

Appareils Photo Sans Miroir Sony

Sony a7 IV

Le Sony a7 IV est un hybride plein format alliant photographie haute qualité et vidéo avancée. Portraits, travaux commerciaux, création de contenu — son système autofocus moderne et ses modes de prise de vue polyvalents en font un choix naturel pour quiconque intègre la gamme plein format de Sony. Il est actuellement disponible à 2 198 $, contre 2 498 $ habituellement, soit une économie de 300 $. Même si le tout nouveau Sony a7 V est arrivé, l'a7 IV offre encore un excellent rapport qualité-prix.

Sony a7 IV avec objectif 28-70mm f/3,5-5,6 II

Ce kit actualisé associe l'a7 IV au nouveau zoom 28-70mm f/3,5-5,6 II. C'est une entrée en matière idéale pour les photographes qui souhaitent un zoom polyvalent pour les portraits, les voyages et les situations du quotidien. Le pack est affiché à 2 598 $, contre 2 698 $, pour une réduction de 100 $.

Sony a7R V

Le Sony a7R V demeure l'appareil Alpha à la plus haute résolution de la marque. Les photographes de paysage, de studio et les professionnels du commercial le choisissent pour sa capacité à capturer des images d'une finesse extrême. Sony y a également intégré une reconnaissance de sujet assistée par intelligence artificielle. Il est désormais proposé à 3 298 $, contre 4 198 $ auparavant — une économie considérable de 900 $.

Sony a7R IVA

Le Sony a7R IVA reste un boîtier sans miroir haute résolution redoutablement efficace. D'un point de vue purement qualitatif, ses performances sont quasi identiques à celles de l'a7R V, à l'exception d'un autofocus légèrement moins rapide. Il excelle pour la photographie de paysage, le travail en studio et les impressions grand format. Son prix passe de 3 698 $ à 3 298 $, soit 400 $ d'économie.

Sony a7 III

Depuis sa sortie, le Sony a7 III s'est imposé comme un boîtier plein format sans miroir fiable et apprécié. Autofocus performant, polyvalence remarquable, adapté aux portraits, voyages et événements — il reste très demandé chez ceux qui rejoignent l'écosystème Sony. Il est actuellement à 1 698 $, au lieu de 1 998 $, une belle affaire sur du plein format Sony.

Le kit a7 III avec l'objectif 28-70mm est également en promotion. Cet ensemble simplifie la constitution d'un système complet, du voyage occasionnel aux portraits. Le kit est proposé à 1 898 $, soit 300 $ de moins que son ancien prix de 2 198 $.

Sony a7C II

Le Sony a7C II combine la qualité d'image plein format avec un design compact pensé pour le voyage et le quotidien. Son boîtier plus petit séduit les photographes qui recherchent de hautes performances dans un format plus portable. Il intègre un autofocus moderne ainsi que des fonctions hybrides photo et vidéo. La version noire est actuellement à 2 298 $, contre 2 498 $, pour 200 $ d'économie.

Un kit incluant l'a7C II et le zoom compact 28-60mm est également disponible. Cette focale flexible convient parfaitement au voyage, à la photographie de rue et aux portraits casual. Le bundle est proposé à 2 598 $, contre 2 798 $, soit 200 $ de remise.

Sony a1

Le Sony a1 est le boîtier sans miroir phare de la marque, conçu pour répondre aux exigences les plus élevées du travail professionnel. Il conjugue haute résolution, cadence de prise de vue rapide et suivi autofocus de pointe. Les photographes de sport, de faune sauvage et les professionnels du commercial s'y fient pour ses capacités hors norme. Il est actuellement vendu 5 698 $, contre 6 198 $ précédemment.

Sony a7S III

Orienté principalement vers la production vidéo, le Sony a7S III n'en offre pas moins d'excellentes performances en photographie. Documentaires, productions commerciales, création de contenu — ses fonctionnalités vidéo avancées et son autofocus fiable en font un pilier de nombreux setups hybrides. Il est affiché à 3 698 $, contre 3 998 $, pour une réduction de 300 $.

Sony ZV-1 II

Le Sony ZV-1 II est un appareil photo compact pensé avant tout pour les vlogueurs et créateurs de contenu. Son objectif intégré et son design épuré le rendent particulièrement pratique pour la vidéo tenue à la main et les prises de vue du quotidien. Il est actuellement à 948 $, au lieu de 1 048 $, soit 100 $ d'économie.

Caméras Cinéma Sony

Sony FX30

Le Sony FX30 fait partie de la Cinema Line de Sony et a été conçu spécifiquement pour les cinéastes et créateurs vidéo. Il propose des formats d'enregistrement avancés dans un boîtier adapté aux environnements de production professionnels. La caméra est actuellement à 1 798 $, soit 300 $ de moins que son prix précédent de 2 098 $.

Une version avec la poignée XLR optionnelle est également en promotion. Cette poignée ajoute des entrées audio professionnelles, idéales pour les tournages documentaires ou les interviews sur le terrain. Le bundle est proposé à 2 198 $, contre 2 498 $, pour 300 $ de remise.

Sony FX2

Le Sony FX2 poursuit l'approche Cinema Line avec des fonctionnalités taillées pour la production vidéo professionnelle. Son design s'intègre parfaitement aux rigs et aux environnements de tournage plus élaborés. Elle est vendue 2 698 $ au lieu de 2 998 $, pour 300 $ d'économie.

Un kit comprenant la FX2 et la poignée XLR de Sony offre des capacités audio étendues dès le départ. Cela permet de connecter des microphones professionnels et d'obtenir un son de qualité supérieure sur le plateau. Le kit est disponible à 3 098 $, contre 3 398 $, soit 300 $ de réduction.

Sony PMW-F5 CineAlta Caméra Cinéma Numérique (Reconditionné)

Le Sony PMW-F5 appartient à la gamme CineAlta de Sony, destinée à la production cinématographique professionnelle. Initialement conçu pour la télévision haut de gamme, le cinéma et la publicité, cet appareil reconditionné permet d'accéder à un équipement de niveau cinéma à un coût considérablement réduit. Le prix actuel est de 1 990 $, contre 11 990 $ à l'origine — une remise massive de 10 000 $.

Cartes Mémoire Sony

Sony 64 Go SF-G Tough Series UHS-II SDXC

Les cartes SDXC Sony SF-G Tough Series sont conçues pour les photographes et vidéastes qui ont besoin d'un stockage fiable. Elles supportent des vitesses d'écriture rapides pour la photographie en rafale et l'enregistrement vidéo haute résolution. La carte 64 Go est actuellement à 74 $, réduite depuis 108 $, pour une économie de 34 $.

Sony CFexpress 4.0 Type A Tough 240 Go

Cette carte CFexpress Type A est optimisée pour l'enregistrement de données rapide sur les boîtiers Sony compatibles. Sa capacité convient bien aux projets vidéo courts ou aux rafales photo à haute cadence. Elle est actuellement proposée à 239,99 $, contre 259,99 $, soit 20 $ de remise.

Sony CFexpress 4.0 Type A Tough 480 Go

La version 480 Go offre une capacité supplémentaire pour les tournages plus longs ou les séances photo prolongées. Les cinéastes privilégient souvent les cartes de grande capacité pour éviter les changements fréquents de média. Elle est à 339,99 $, contre 359,99 $, pour une économie de 20 $.

Sony CFexpress 4.0 Type A Tough 960 Go

Cette carte CFexpress Type A de grande capacité est idéale pour les sessions d'enregistrement vidéo prolongées et les grands projets photographiques. Les vidéastes professionnels qui enregistrent en formats haute qualité l'apprécient particulièrement. Elle est désormais à 539,99 $, au lieu de 584,99 $, pour 45 $ d'économie.

Sony CFexpress 4.0 Type A Tough 1920 Go

La carte CFexpress Type A de 1 920 Go offre une capacité de stockage exceptionnelle pour les productions vidéo les plus exigeantes. Elle permet de capturer de longues sessions d'enregistrement sans changement de support, ce qui est précieux lors de tournages multicaméras ou documentaires. Elle est proposée à 879,99 $, contre 949,99 $, soit 70 $ d'économie.

Sony CFexpress Type B Tough 960 Go

Les cartes CFexpress Type B de Sony sont conçues pour les appareils nécessitant des vitesses de transfert de données extrêmement rapides. Elles s'utilisent couramment en vidéo haute résolution et en rafale photo intensive. La carte 960 Go passe à 498 $, contre 998 $ précédemment — une remise impressionnante de 500 $.

Sony CFexpress Type B Tough 1920 Go

La version 1 920 Go propose l'une des plus grandes capacités disponibles dans la gamme mémoire Sony. Elle s'adresse aux sessions d'enregistrement longues durée et aux workflows photo à fort volume. Elle est actuellement à 998 $, au lieu de 1 998 $, pour une économie spectaculaire de 1 000 $.

Audio et Accessoires Sony

Kit Adaptateur Audio XLR Sony XLR-K3M avec Microphone Shotgun

Le kit adaptateur Sony XLR-K3M étend les capacités d'enregistrement audio des boîtiers Sony compatibles. Il permet de connecter des microphones XLR professionnels directement au système caméra — indispensable pour les interviews, le documentaire et la production vidéo professionnelle. Il est actuellement à 608 $, contre 658 $, pour une économie de 50 $.

Sony ECM-B10 Microphone Shotgun Numérique Compact

L'ECM-B10 est un microphone shotgun numérique compact conçu spécifiquement pour les appareils Sony. Il se fixe via la griffe Multi Interface Shoe de Sony, simplifiant la connexion et l'alimentation. Il est proposé à 228 $, réduit depuis 278 $, soit 50 $ d'économie.

Sony ECM-B1M Microphone Shotgun pour Appareil Photo

L'ECM-B1M s'intègre également au système Multi Interface Shoe de Sony et fournit une capture audio directionnelle adaptée aux interviews, à la narration et aux tournages documentaires. Son prix actuel est de 338 $, contre 388 $, pour 50 $ de remise.

Sony ECM-M1 Microphone Shotgun Numérique Compact

L'ECM-M1 capture l'audio directionnel tout en restant facile à monter sur les appareils Sony compatibles. Il fonctionne très bien pour le vlog, les interviews et les enregistrements en extérieur. Il passe à 338 $, contre 388 $ précédemment, pour 50 $ d'économie.

Système de Microphone Sans Fil Sony ECM-W3

Le système sans fil Sony ECM-W3 permet d'enregistrer l'audio de deux intervenants simultanément. Il comprend des émetteurs et un récepteur à monter sur la caméra — parfait pour les interviews, les podcasts et les contenus vidéo collaboratifs. Il est actuellement à 288 $, contre 568 $ auparavant.

Système de Microphone Sans Fil Sony ECM-W3S

L'ECM-W3S est une version simplifiée du système sans fil Sony, conçue pour l'enregistrement d'un seul interlocuteur. Il capte un son clair sans câble, lors des tournages avec des boîtiers Sony compatibles. Il est disponible à 228 $, au lieu de 348 $, pour une économie de 120 $.

Système de Microphone Bluetooth Sans Fil Sony ECM-W2BT

L'ECM-W2BT est un système de microphone sans fil Bluetooth pensé pour les setups d'enregistrement portables. Il permet de capter un son clair à distance tout en conservant un setup caméra compact. Le kit est désormais à 158 $, contre 278 $, pour 120 $ d'économie.

Grip Vertical Sony VG-C4EM

La poignée verticale Sony VG-C4EM améliore la prise en main lors des prises de vue en orientation portrait. Elle offre des commandes supplémentaires et une autonomie prolongée. Compatible avec le Sony a7 IV, a7 V, a7S III, a1, a9 II, a7R IV et a7R V, elle est proposée à 408 $, contre 458 $, pour 50 $ de remise.

Grip Vertical Sony VG-C3EM

Le VG-C3EM offre une fonctionnalité similaire pour les boîtiers Sony compatibles, dont le Sony a9, a7r III et a7 III. Il améliore la prise en main et l'autonomie lors des longues sessions photo. Il est actuellement à 368 $, contre 418 $, pour une économie de 50 $.

Éclairage Sony

Flash Radio Sans Fil Sony HVL-F60RM2

Le HVL-F60RM2 est le flash sur boîtier phare de Sony, conçu pour les setups d'éclairage professionnels. Il prend en charge le contrôle radio sans fil, permettant son intégration dans des systèmes multi-flashs. Il est proposé à 648 $, réduit depuis 698 $, pour 50 $ d'économie.

Flash Radio Sans Fil Sony HVL-F46RMA

Le HVL-F46RMA est un flash radio sans fil polyvalent conçu pour les appareils sans miroir Sony. Il offre des performances d'éclairage fiables pour les portraits, événements et prises de vue en extérieur. Il est actuellement à 498 $, contre 548 $, pour une économie de 50 $.

Un pneu de tracteur suspendu par un fil de soie

Lorsque le National Geographic Magazine a décidé de raconter l'histoire de la « supersoie » issue du génie biologique, ses équipes ont imaginé une démonstration aussi visuelle que spectaculaire pour en prouver la solidité.

Dans leur studio, ils ont suspendu au plafond un pneu de tracteur de 77 kilogrammes, maintenu uniquement par une boucle de soie. Le numéro de mars consacre une photo d'une page et demie à cette expérience, avec la légende suivante : « La capacité quasi miraculeuse de la supersoie à s'étirer sans se rompre est mise à l'épreuve dans le studio photo de National Geographic par l'ingénieur photo Eric Flynn, qui a suspendu un pneu de tracteur de 77 kg à une boucle de soie Kraig Biocraft pesant à peine 10 grammes. » (Photo : Mark Thiessen)

Oui, vous avez bien lu. Cette publication centenaire, célèbre pour ses photographes de renom, met en avant un expert technique qui œuvre dans l'ombre.

La supersoie : cinq fois plus résistante que l'acier

Le reportage de couverture du numéro de mars — signé par Rowan Jacobsen avec des photographies de Justin Jin — pose une question fascinante : « Un matériau organique cinq fois plus résistant que l'acier ? Il existe dans la nature, mais il nous a toujours été impossible de le fabriquer. Grâce aux avancées du génie génétique, nous en avons créé quelque chose de très proche : la supersoie. Et elle est sur le point de révolutionner bien plus que nos vêtements. »

Pour illustrer concrètement cette résistance exceptionnelle, l'équipe de National Geographic a dû trouver le bon objet. Une enclume de 90 kg ? Trop petite visuellement. C'est finalement un pneu de tracteur, emprunté à un garage local, qui a été roulé jusqu'au studio.

Comment l'ingénieur photo s'est retrouvé dans le magazine

Eric Flynn, le technicien en charge de la mise en scène, explique la genèse de cette image surprenante :

« Mark Thiessen, photographe du staff de National Geographic, voulait trouver un moyen de mettre en valeur la résistance de la supersoie. Le vrai défi était une question d'échelle. On a opté pour un grand pneu parce que son poids était idéal, et visuellement, il était bien plus impressionnant qu'une enclume de 90 kg. »

Mais une fois le pneu suspendu, un nouveau problème est apparu. « Sans élément de référence dans le cadre, le pneu ne semblait pas vraiment grand. Jusqu'à ce moment-là, je restais hors champ et je repositionnais le pneu entre chaque prise. Après avoir envisagé d'autres objets à inclure dans l'image, ils ont réalisé quelques clichés tests avec moi dans le cadre — et c'est ce concept que la directrice photo a finalement retenu. »

Dans les premières pages du numéro de mars, Flynn apparaît également sur une photo de format 7×10 cm aux côtés des photographes du staff, au moment où ils hissent le pneu pour la séance.

Qui est Eric Flynn, ingénieur photo ?

Flynn se décrit lui-même comme un « passionné d'appareils photo, toujours partant pour parler de matériel photographique ». Son parcours est atypique : il a d'abord travaillé plusieurs années comme assistant en éducation spécialisée dans une école primaire.

En 2021, il obtient un master à la School of Visual Communication de l'Ohio University. L'année suivante, en 2022, il rejoint National Geographic à Washington D.C. en tant qu'ingénieur photo technologiste.

Sa mission au sein de la rédaction est claire : « Simplifier le travail de nos photographes et les aider à produire les images les plus percutantes possible. »

Des projets techniques aussi variés qu'ambitieux

Le travail d'Eric Flynn va bien au-delà des studios. Parmi ses réalisations notables chez National Geographic :

• L'installation de caméras télécommandées pour le lancement de la fusée Artemis I
• La conception d'un robot utilisé par la photographe Jen Guyton pour photographier des hyènes en milieu naturel
• Le soutien technique sur le terrain pour Babak Tafreshi et Aaron Huey lors de la couverture de l'éclipse solaire de 2024

Derrière chaque image emblématique de National Geographic se cache souvent un travail d'ingénierie méconnu. Eric Flynn en est la preuve vivante — et désormais visible — dans les pages du magazine.